Figlio di una scultrice irlandese e di un designer di scarpe italiano, Charles Fazzino nasce a Westchester, New York, nel 1955. La sua famiglia lo espone fin da subito all’arte, conducendolo alla sua formazione ufficiale a partire dal 1967, quando inizia a frequentare diversi corsi d’arte. Nel 1977 si laurea in Belle Arti alla School of Visual Arts di Manhattan, dove sviluppa la sua passione per l’arte pop. Caratteristica di Fazzino è la fusione di tecniche tradizionali con una moderna sensibilità, dando vita alla sua vivace visione artistica.

La sua carriera prende piede verso gli inizi degli anni Ottanta, con la serigrafia. Fazzino inizia i suoi lavori con schizzi approssimativi, che si trasformano in opere d’arte originali dipinte a mano. Questi pezzi unici vengono prima stampati con il processo di stampa serigrafica e poi digitalmente, con la tecnica chiamata giclée. La giclée art prevede un metodo di riproduzione artistica digitale di altissima qualità. Nasce negli Novanta e utilizza stampanti a getto professionali ideali per inchiostri molto pigmentati, ai quali spesso vengono aggiunti cristalli di Swarovski. In questo modo, stampando oltretutto su supporti pregiati come cotone o tela, si ottiene una stampa dai colori vibranti e accesi, con dettagli fedeli e una durata museale.

Charles Fazzino fonde in questo modo elementi della cultura pop con intricati lavori artigianali, dedicandosi a una vasta gamma di soggetti. Questi variano da paesaggi urbani vivaci – come le vedute di grandi città tra cui Parigi, Tokyo o New York – a rappresentazioni nostalgiche di icone hollywoodiane o leggende dello sport.

Il tratto distintivo di Fazzino è la tridimensionalità che riesce a dare ai suoi lavori, facendo trapelare un senso di movimento e profondità con cui arriva alla svolta artistica. Anche lo sviluppo di quella che diventerà la sua tecnica caratteristica gioca un ruolo fondamentale: egli assembla a mano con meticolosità e rigore più strati di carta ritagliata, creando dei collage-pop carichi di energia: elemento fondamentale, perché rappresenta l’essenza della vita urbana del quale Fazzino si sente rappresentante.

La sua arte continua a fare scalpore nel mondo della cultura pop, con nuove opere in mostra in esposizioni internazionali e un’attenzione crescente da parte dei collezionisti. L’arte di Fazzino è stata anche protagonista di diversi eventi di fama mondiale come le Olimpiadi, i Grammy Awards o il Super Bowl. Per essi, ha creato opere commemorative più specifiche con rappresentazioni briose ed energiche, legate all’entusiasmo degli eventi. Inoltre, con i suoi lavori ha sostenuto – e sostiene tuttora – cause e organizzazioni di beneficenza.

Le opere di Fazzino sono celebrate in tutto il mondo, esposte in importanti gallerie e collezioni private. Il suo stile distintivo cattura l’essenza della vita contemporanea: le sue opere sono apprezzate per il loro fascino giocoso e le rappresentazioni dettagliate della vita moderna.

Ancora in attività, Fazzino viene spesso paragonato a icone dell’arte pop come Andy Warhol o Keith Haring. In effetti, negli ultimi tre decenni ha consolidato la sua posizione come figura di spicco nell’arte pop, continuando a catturare l’attenzione dei collezionisti e di un pubblico appassionato. Il suo approccio costruttivista e il suo modo unico di fare pop art tridimensionale rimangono fondamentali per l’evoluzione del movimento.

Mary Cassatt nasce a Allegheny City, in Pennsylvania nel 1844. Viene al mondo in una famiglia di banchieri e agenti di cambio, molto colta e benestante, che considera i viaggi parte integrante della formazione. Per questo motivo durante la sua infanzia e adolescenza trascorre diversi anni in Europa, dove impara il tedesco, il francese e prende le prime lezioni di musica e disegno.

A soli quindici anni, andando contro al volere della famiglia, inizia a studiare pittura presso la Pennsylvania Academy of the Fine Arts di Philadelphia, con l’intento di diventare un’artista professionista. Durante gli studi si sente oppressa da ritmi lenti dell’accademia e sviluppa una forte insofferenza verso la superiorità dimostrata nei suoi confronti dagli insegnanti e dagli studenti maschi. Decide quindi di lasciare il corso e di dedicarsi allo studio dei grandi maestri europei da sola.

Nel 1866, superando le obiezioni del padre, si trasferisce in Francia, scegliendo Parigi come residenza permanente. In questo periodo la scena artistica francese sta profondamente mutando: artisti dalle idee radicali come Manet e Courbet tentano di distaccarsi dalla tradizione accademica e sulla scena iniziano ad affacciarsi gli Impressionisti, che con il loro movimento per nulla convenzionale catturano l’impressione fugace e soggettiva della realtà con attenzione particolare alla luce e al colore. Mary Cassatt rimane affascinata dalla sperimentazione e dall’uso di colori vivaci ispirati all’aria aperta: diventa così la prima e quasi unica donna ad avvicinarsi all’Impressionismo, riuscendo a portare il movimento negli Stati Uniti.

Con gli Impressionisti si sente a proprio agio. Ammira Degas, che la influenzerà nell’uso innovativo dei pastelli, tecnica che le permetterà di creare molti dei suoi quadri più celebri. I due lavorano fianco a fianco per diverso tempo e la tecnica di disegno di Cassatt migliora notevolmente sotto la guida dell’artista francese.

Verso la fine dell’Ottocento, però, il suo stile si evolve e si distacca dall’Impressionismo in favore di un approccio più semplice e diretto. Dopo il 1886, Cassatt non si identifica più in alcun movimento artistico: darà una svolta alla sua carriera iniziando a sperimentare con una varietà di tecniche diverse.

L’iniziale popolarità di Mary Cassatt è sicuramente riconducibile alle scene che sceglie di rappresentare: ritrae la vita di donne e madri in modo autentico, con una tensione e una veridicità che vanno oltre alla cornice. I soggetti risplendono, carichi di emotività ma senza sconfinare in un eccessivo romanticismo. La sua pittura si pone come testimonianza della complessa condizione femminile del suo tempo, documentata con scene di vita quotidiana e con profonda attenzione ai dettagli.

Il periodo che va dal 1890 al 1900 è sicuramente il momento più creativo e proficuo della sua carriera: Cassatt ha raggiunto la maturità e ha imparato a manifestare le proprie opinioni in maniera più diplomatica e meno tagliente, diventando un modello per i giovani artisti statunitensi.

Sarà un viaggio in Egitto nel 1910 a rallentare la sua carriera, definitivamente interrotta nel 1914 per la perdita quasi totale della vista. Nonostante la cecità, Cassatt non si perde d’animo e trova comunque la forza di abbracciare appieno il movimento femminista per il suffragio femminile, denunciando il maschilismo e presentando nel 1915 diciotto opere a un’esposizione organizzata per supportare la causa.

Mary Cassatt muore nel 1926 a Château de Beaufresne, vicino a Parigi, dopo una vita completamente dedita alla pittura, per la quale è andata contro a tutti con grande determinazione, sfidando le convenzioni del suo tempo e lottando per i diritti delle donne, tentando di fare della sua arte il miglior veicolo per un drastico cambiamento sociale.

BIBLIOGRAFIA:

E. Ravenni, L’arte al femminile dall’Impressionismo all’ultimo Novecento, Roma, 1998, Edizione Riuniti.

Norman Rockwell nasce nel 1894 a New York. Fin da giovanissimo dimostra una forte attrazione per la pittura, tanto da iscriversi alla Chase Art School di Manhattan all’età di quattordici anni e solo due anni dopo alla National Academy of Design. Terminerà i suoi studi alla Art Student League spinto dal fatto che l’illustratore Howard Pyle, uno dei suoi idoli, era uno dei fondatori della scuola. Fu in questo periodo che gli vennero commissionate la creazione di cartoline d’auguri natalizi, come primissimo lavoro, e l’illustrazione del suo primo libro. Per Rockwell inizia un periodo proficuo, ricco di collaborazioni con riviste giovanili; inoltre, all’età di soli vent’anni, diventa direttore artistico di Boys’ Life, il magazine ufficiale dei boy scout d’America. Di lì a poco si specializza in illustrazioni di riviste per l’infanzia. Con l’inizio della Prima Guerra Mondiale, le sue capacità si rendono utili per un nuovo ruolo: quello di artista militare, per il quale cambierà drasticamente percorso. Gli anni di gavetta portano però Rockwell ad aprire un suo studio assieme al vignettista Clyde Forsyth: da qui nascerà la sua lunghissima collaborazione con la rivista The Saturday Evening Post.

Gli anni Trenta e Quaranta sono quelli della sua fioritura artistica, aiutata anche dal trasferimento nel 1939 a Arlington (Vermont). È infatti in questo ambiente domestico e tranquillo, diametralmente opposto alla frenetica New York dov’era nato e cresciuto, che le opere di Rockwell iniziano a riflettere la vita della piccola provincia americana. In un periodo incerto in cui il mondo stava avanzando verso la Seconda Guerra Mondiale, Rockwell cerca di mantenere alto lo spirito della nazione ideando una serie di copertine che vedono la recluta Willie Gillis come protagonista. Gillis, personaggio immaginario che impersonifica un uomo qualunque con il grado di soldato semplice, diventa così un’icona americana la cui storia viene raccontata sulle prime pagine del Post dal 1941 al 1946. La descrizione è semplice ma di grande impatto: Willie Gillis è il tipico “giovanotto” americano generoso e ricco di virtù del quale Rockwell raffigura la vita, dal primo giorno in uniforme dopo il reclutamento al felice ritorno a casa dopo la fine della guerra.

Nello stesso periodo l’artista dipinge anche la serie The Four Freedoms, ispirata al discorso sulle quattro libertà fondamentali tenuto dal Presidente Roosevelt al Congresso. Qui Rockwell è stato in grado di immortalare l’atmosfera del suo tempo in maniera impeccabile, trasmettendo i valori fondamentali che gli americani cercavano di difendere in un periodo critico della storia mondiale. Il gruppo di immagini, pubblicato nel 1943, ebbe talmente successo che fu riprodotto su migliaia di manifesti e utilizzato successivamente per promuovere la raccolta dei fondi dopo la guerra in sedici città americane.

La particolarità delle illustrazioni di Norman Rockwell è la scelta dell’autore di lavorare sempre su modelli dal vero o su scatti fotografici da lui stesso realizzati: ecco perché la vita tranquilla nella provincia americana è stata particolarmente d’aiuto per lo sviluppo di diversi personaggi. Lo stesso Willie Gillis, ha dichiarato Rockwell, si basa proprio sull’aspetto di un suo conoscente.

Nel 1964 termina la sua collaborazione con il Post, durata ben quarantasette anni. Norman Rockwell inizia una nuova pagina della sua carriera affiancato dalla rivista Look, che gli permetterà di dedicarsi ai suoi interessi più profondi come le ingiustizie sociali, la lotta alla povertà, la guerra del Vietnam e la conquista dello spazio.

Per tutta la sua carriera da illustratore Rockwell si divide tra temi leggeri, con raffigurazioni che riproducono l’atmosfera rurale tipica delle piccole cittadine di campagna di cui cattura momenti di vita, e temi più impegnativi, importanti e profondi come il razzismo e l’integrazione scolastica. Quest’ultima tematica è affrontata in The Problem We All Live With del 1964, immagine divenuta icona del movimento per i diritti civili in America. L’illustrazione ritrae Ruby Bridges, prima studentessa afroamericana a frequentare una scuola per bianchi.

Norman Rockwell si è dimostrato fin da subito un abile narratore, capace di riprodurre magistralmente la realtà distinguendosi grazie al suo stile romantico e a tratti ironico ma allo stesso tempo profondo, immergendosi completamente nelle sue scene e immaginando di essere il protagonista. È proprio in questo modo che conferisce vita e personalità ai suoi personaggi, senza mai trascurare ogni minimo dettaglio. Rockwell muore a Stockbridge (Massachusetts) nel 1978. Il suo stile meticoloso e peculiare è ancora oggi molto apprezzato e ha influenzato intere generazioni di illustratori venuti dopo di lui.

Edward Hopper nasce nel 1882 a Nyack, nello Stato di New York.

Si dimostra abile nel disegno già all’età di cinque anni, mostrando un particolare interesse per le navi e tutto ciò che le riguardava. A diciotto anni comincia a frequentare la New York School of Art.

Nel 1906 viaggia per la prima volta verso Parigi, dove rimane affascinato dai pittori espressionisti e dalla poesia simbolista. Dopo questa prima tappa, comincia a viaggiare per l’Europa per conoscere meglio le avanguardie del Novecento. È qui che conoscerà le opere di De Chirico, dal quale prenderà spunto per i suoi quadri dai palcoscenici aridi, solitari e desolati.

Ritornato negli USA nel 1911, si dedica all’incisione e all’illustrazione. A differenza di molti artisti americani che, come lui, avevano esordito con queste tecniche, però, Hopper dichiarò di non amare quel tipo di lavoro, anche se l’esperienza acquisita gli è sicuramente servita da stimolo per la ricerca dell’essenziale in pochi dettagli rivelatori. Con l’incisione impara a raccontare storie in bianco e nero e si avvicina ai registi del cinema narrativo americano, servendosi di luci e ombre per raccontare storie.

Nel 1920 viene organizzata la sua prima mostra personale presso il Whitney Studio Club di New York, luogo importante per gli artisti americani indipendenti dell’epoca. In quest’occasione Hopper espone sedici dipinti a olio, tra cui Soir Bleu (1914) che segna un momento di transizione, dove l’artista si allontana dai primi paesaggi per concentrarsi su una scena ricca di simbolismo e inquietudine.

Nonostante non abbia venduto nessun quadro, questa prima esposizione segnò un momento significativo nella carriera di Hopper che, non perdendosi d’animo, nel 1924 partecipò alla mostra presso la Rehn Gallery di New York. Qui riuscì ad affermarsi come artista grazie alla scelta di esporre alcuni acquarelli, molto apprezzati oltre che dal pubblico anche dalla critica. Quest’ultima riconobbe l’abilità dell’artista nel riuscire a catturare atmosfere e stati d’animo realistici in maniera quasi cinematografica. Con il cinema, infatti, Hopper sentiva da sempre un legame profondo, quasi tutte le sue opere si concentrano sulla scenografia, dove cerca un’inquadratura incisiva per aumentare il potenziale narrativo. Il cinema, secondo Hopper, fa sognare e permette ogni tipo di evasione dalla realtà, soprattutto in periodi come gli anni Trenta condizionati da fallimenti, bancarotta e depressione.

Hopper si inserisce all’interno del movimento artistico American Scene, che ha l’obiettivo di descrivere i diversi aspetti della Grande Depressione, originatasi dal crollo della borsa di New York nell’ottobre del 1929, che vedrà cenni di miglioramento solo con l’elezione di Roosevelt nel 1932 e la creazione del New Deal, allo scopo di risollevare il Paese con un vasto programma di riforme.

Le sue ricerche in campo cinematografico hanno addirittura ispirato grandi registi come Dario Argento, David Lynch e Alfred Htchcock.

Fin dall’inizio della sua carriera, Hopper si dimostra ossessionato dalla luce e studia i modi in cui cade sugli edifici e attraversa vetrine, creando riflessi e giochi di colore. Anche le scelte cromatiche si dimostrando fondamentali: le tinte fredde e distaccate fanno acquisire ai suoi lavori una nota psicologica accentuata dalla sensazione di straniamento spesso percepita dall’osservatore.

Per Edward Hopper l’arte non è solo passione, ma soprattutto fatica: ogni opera è frutto di un preciso lavoro di sintesi e semplificazione, dove il superfluo viene eliminato per concentrarsi sulla verità che l’immagine deve trasmettere in maniera semplice e minimalista. Nelle sue opere, incentrate sulla solitudine, il silenzio pervade ogni spazio facendo apparire il reale enigmatico, quasi metafisico: i protagonisti sono accompagnati da una sensazione di incomunicabilità perenne che li fa apparire alienati, anonimi e spenti.

In questo modo Hopper, tramite lo straniamento percettivo, porta l’osservatore a interrogarsi sul significato del vivere in un’atmosfera nostalgica sfuggente ed evocativa. La sua pittura melanconica si distingue enormemente da quella degli artisti del suo ambiente: è estremamente innovativa e si avvicina al realismo con dettagli descrittivi e meticolosi, che emergono dal colore caratteristico delle sue opere e dalla rappresentazione minuziosa di porte o finestre, importantissime nei suoi dipinti perché permettono all’osservatore di varcare l’intimità delle stanze e dei luoghi rappresentati, come teatri, bar, cinema e camere d’albergo.

Nel 1950 il Whitney Studio Club (divenuto Whitney Museum of American Art) gli dedica la seconda retrospettiva e nel 1956 la rivista TIME gli rende omaggio con una copertina. Saranno questi due eventi a fargli acquisire la fama mondiale che lo contraddistingue ancora oggi.

Edward Hopper muore nel 1967 all’età di ottantaquattro anni: il suo corpo viene ritrovato nel suo studio in centro a New York, nel luogo che più lo rappresentava.

Nel 2018, il suo dipinto Chop Suey del 1929 è stato venduto per novantatré milioni di dollari, diventando una delle opere più costose di sempre.

Oggi Edward Hopper è considerato uno dei maestri indiscussi dell’arte americana del Novecento e le sue opere, che parlano di solitudine e spogliano la vita privandola del superfluo, lo hanno reso immortale.

BIBLIOGRAFIA:

M.G. Mazzucco, Il museo del mondo, Einaudi, 2017.

J. Veneziani, Simmetrie, Rizzoli, 2021.

Paul Jackson Pollock nasce nel 1912 a Cody, nel Wyoming, e trascorre la sua giovinezza tra l’Arizona e la California. Studia alla High School di Riverside e successivamente alla Manual Art High School di Los Angeles, dalle quali viene espulso per indisciplina. Nel 1929 raggiunge il fratello Charles a New York, dove entrambi divennero allievi del pittore Thomas Hart Benton, uno dei maggiori esponenti del realismo americano. Lo stile di Benton non ebbe molto successo con Pollock, che venne invece colpito dal suo uso del colore e dal fiero senso di indipendenza che lo influenzeranno in maniera duratura.

Nell’ottobre del 1945, dopo il matrimonio con la famosa pittrice Lee Krasner, si trasferisce a Long Island in quello che è ora conosciuto come Pollock-Krasner House, acquistato anche grazie a una piccola somma prestatagli dall’amica Peggy Guggenheim. La piccola casetta di legno era dotata di un fienile che l’artista trasformò nel suo laboratorio: proprio qui perfezionò la sua celebre tecnica di pittura spontanea, con cui faceva colare il colore direttamente sulla tela.

Pollock non lavorava con metodologie convenzionali: stendeva infatti la tela sul pavimento e si serviva di tutto il corpo per creare le sue rivoluzionarie composizioni. Si sentiva più a suo agio potendo camminare intorno alla tela per riuscire a lavorare su tutti i lati ed entrare letteralmente nel quadro utilizzando pennelli induriti, spatole, bastoncini di legno e siringhe da cucina. Diede vita in questo modo alla tecnica del dripping, che diverrà la base del movimento dell’action painting.

Spesso accostava il colore puro e fluido a impasti di sabbia e vetro polverizzato. Utilizzava inoltre smalti industriali molto economici come quelli della marca DUCO, che grazie a lui divenne in seguito molto usata. Pollock non aveva paura di modificare il suo lavoro: distruggeva e cambiava l’immagine fino all’ultimo, facendo assumere al quadro una vita propria che emergeva fino all’ultimo istante. Lavorando in questa maniera innovativa e insolita per l’epoca, Pollock si distaccò completamente dall’arte figurativa, andando contro alla tradizione dell’uso del pennello e del cavalletto.

I primi capolavori, come Male and Female o la serie Composition with Pouring sbocciano come fiori, in maniera naturale dopo aver conosciuto l’arte del pittore messicano David Alvaro Siqueiros, famoso per il suo utilizzo del colore puro. Il singolare modo di dipingere di Pollock gli permise di avviare una carriera molto proficua e colpì nel segno, al punto che nel 1956 la rivista Time gli dedicò la prima pagina, soprannominandolo Jack the dipper.

Pollock creava le sue opere con procedimenti automatici, gesti spontanei e incondizionati vicini al surrealismo. I suoi lavori non nascevano come arte studiata ma si lasciavano trasportare dal caso, affidandosi all’impulsività e all’istinto. Per lo sviluppo della sua particolare pratica è stata sicuramente molto influente l’arte dei nativi americani conosciuta durante l’adolescenza in Arizona, dove entrò in contatto con la loro tradizione culturale, le loro cerimonie e i loro riti. Pollock, infatti, recuperava le proprie immagini dal suo inconscio così come i nativi le prendevano dal mondo degli spiriti. Si può dire quindi che si servisse anche lui di un’estetica primitivista che, diventando parte integrante dei dipinti, dava vita a un linguaggio senza tempo.

Nonostante non sia sempre stato apprezzato dalla critica, Jackson Pollock è riuscito nel corso degli anni a guadagnare un grande successo e a “prendersi” un posto nella classifica dei massimi esponenti dell’espressionismo astratto, conquistando il pubblico e diventando con i suoi dipinti uno degli artisti più costosi nella storia dell’arte.

BIBLIOGRAFIA:

Pollock Painting. Fotografie di Hans Namuth. Testimonianze e documenti, Mnemosyne, vol. 3, Editore Abscondita, 2009

Georgia O’Keeffe nasce nel 1887 nelle vaste praterie del Wisconsin. Cresce in una famiglia umile di allevatori di bestiame, raccogliendo e arando i campi nella fattoria dei genitori fino ai dodici anni. Sebbene fin dalla prima adolescenza conosca già la sua vocazione, riuscirà a intraprendere gli studi artistici solo all’età di diciassette anni, quando inizia a frequentare l’Art Institute di Chicago e successivamente l’Art Student League di New York dove si avvicina alla tecnica dell’acquerello.

Il suo successo incontra diversi, ostacoli soprattutto a causa della povertà in cui vive la sua famiglia, e nel 1908 si trova costretta ad abbandonare gli studi per iniziare a lavorare. È in questo periodo che alterna prestazioni occasionali nel settore pubblicitario con l’insegnamento del disegno, fino al 1916, quando riesce a riprendere gli studi per ottenere il titolo d’insegnante con il quale raggiungerà una situazione economica più stabile.

È presso il Columbia’s Teacher College che incontra Anita Pollitzer e sarà proprio questa amicizia a dare la svolta necessaria alla sua vita. Vedendo in lei grandi potenzialità, l’amica decide di portare un taccuino con i suoi disegni alla galleria 291 di New York, importante spazio espositivo per i pittori dell’avanguardia americana curato dal fotografo Alfred Stieglitz. Questi rimane ammaliato dalla purezza e dalla bellezza dei disegni di O’Keeffe, tanto da organizzare un’esposizione a sua insaputa.

Grazie a questo evento finalmente inizia la sua carriera. Nel 1918 O’Keeffe si trasferisce a New York dove, oltre a sviluppare il suo stile particolare, inizierà anche una relazione passionale e conflittuale con Stieglitz, che durerà per tutta la sua vita. Durante i lunghi otto anni lontana dallo studio scopre il Texas che, con le sue terre aride e le luci calde, la affascineranno fin da subito e la influenzeranno nella creazione della sua poetica futura.

Con la sua personalità molto introversa, Georgia O’Keeffe fa tesoro della solitudine e, quando non dipinge, dedica il suo tempo libero a lunghe passeggiate meditative immersa nel verde. Proprio questo rapporto con la natura l’aiuta a sviluppare il suo stile, caratterizzato dall’ordinamento di diversi elementi, a partire dai colori e dalle forme passando per spazi e volumi differenti. Tutti questi elementi si fondono perfettamente assieme alle sue sensazioni, dando vita a un ritmo particolare e a composizioni figurative organiche, così come organica è la sua visione del mondo.

La sua arte è sempre una risposta immediata a ciò che la circonda. Nel 1929, dopo alcune complicazioni di salute e la sua storia d’amore che sembra giunta al capolinea, O’Keeffe scopre il New Mexico e si innamora perdutamente del suo clima arido e luminoso, in cui ritrova gli spazi e la luce che aveva conosciuto da ragazzina in Texas. L’attrazione fulminea per questa regione la porta a viverci: inizialmente si trasferisce in una vecchia fattoria isolata, fino a che non decide di acquistare un terreno chiamato Rancho de los Burros, dal quale può osservare le rosse rocce della valle spesso protagoniste dei suoi dipinti.

Da questo momento in poi ogni sua composizione riguarderà la sua vita quotidiana e i momenti delle sue giornate, come la porta del suo patio, le pianure desertiche che circondano la sua proprietà o il suo ranch, senza però abbandonare l’accezione minimalista o gli elementi romantici.

Nell’iconografia scelta dall’artista ritroviamo spesso cieli, montagne e fiori, particolarmente emblematici nella sua poetica perché dipinti in primo piano e percepiti come ombre al confine tra l’arte figurativa tradizionale e l’astrazione lirica tipica di Kandinsky, da lei molto stimato. Stupita dalla natura che la circonda, raccoglie teschi e ossa di animali ai quali dà una valenza simbolica che si allontana dal classico significato macabro. Li dipinge combinandoli con elementi naturali e sfondi colorati, creando atmosfere irreali al limite del mistico e dell’onirico. Le connotazioni sensuali e maliziose date spesso alle sue opere la faranno però allontanare dalle espressioni astratte per dedicarsi alla pittura figurativa, per aggirare le analisi fuorvianti ed errate dei suoi dipinti fatte da critici d’arte che applicarono una lettura troppo “di genere” alle sue creazioni.

Oggi Georgia O’Keeffee è un’icona femminile dell’emancipazione artistica, un’eterna leggenda mai sfiorita che con la sua arte potente, stimolante e senza compromessi è stata ed è da esempio per intere generazioni di donne e artiste. Con la sua affascinante originalità si è saputa ritagliare uno spazio non indifferente nello sviluppo dell’arte negli Stati Uniti, divenendo a tutti gli effetti una delle maggiori pittrici d’oltre Atlantico e un vero e proprio monumento dell’arte americana moderna.

Bibliografia:

Colaone S., De Santis L., Georgia O’Keeffe. Amazzone dell’arte moderna, Oblomov Edizioni, 2022.

James William Barlett III, rinominato Bo Barlett, nasce il 29 dicembre 1955 a Columbus, in Georgia, dove svolge ancora oggi buona parte delle sue attività artistiche. Inizia i suoi studi a Firenze e successivamente frequenta la Pennsylvania Accademy of the Fine Arts di Philadelphia, dove trova la sua strada di pittore.

Da sempre caratterizzata da una visione modernista, la carriera di Barlett inizia negli anni Settanta e si ispira a una lunga tradizione di pittori realisti, allontanandosi dalle etichette artistiche che si stavano sviluppando in quel periodo come l’astrazione, il minimalismo o l’arte concettuale. Nei suoi lavori, infatti, Barlett si ispira alla realtà americana e unisce pittura di figura, ritratti, paesaggi e nature morte all’interno di scene uniche che raccontano storie di vita quotidiana. Quello che per lui conta più di tutto è rimanere fedele al proprio temperamento parlando della sua vita, mantenendo verità e originalità. Il suo “stile narrativo” celebra il comune e il personale grazie al racconto di vere e proprie storie lasciate volutamente aperte, di modo che l’osservatore possa metterci un po’ del suo vissuto e giocare con l’immaginazione.

Le scene che osserviamo sono familiari e vicine al vissuto ordinario: bambini vestiti da Halloween, giovani donne in bicicletta, uomini in barca durante una splendida giornata di sole. Riguardano storie semplici, ma allo stesso tempo sono bloccate in momenti eterni che scatenano nello spettatore un vortice di emozioni in grado di trasportare in una dimensione psicologica quasi onirica, tipica dei grandi maestri surrealisti come Dalì, Magritte e De Chirico.

Bo Barlett è molto legato al suo Paese. Per questo cerca da sempre di guardare al cuore dell’America, alle sue tradizioni e alla sua gente, descrivendo con la pittura la bellezza che incontra sul suo cammino e nella vita di tutti i giorni. L’artista cerca di trasformare l’ordinario in straordinario, arrivando a volte a dipingere scene improbabili ma comunque non del tutto impossibili. Le sue tele vengono percepite come “multistrato”: al loro interno coesistono elementi molto distanti tra loro ma che, nell’insieme, convivono fondendosi perfettamente. Familiari e amici sono i personaggi principali dei suoi racconti, mentre gli ambienti che dipinge fanno sempre riferimento alla sua casa d’infanzia in Georgia o alla sua residenza estiva su Wheaton Island, nel Maine, anche se in generale rappresentano un concetto molto più profondo collegato alla casa archetipica, intesa quindi come modello universale, di tutti.

La maestria di Bo Barlett sta nel riuscire a combinare una tecnica classica come quella realista con una sensibilità fortemente contemporanea, creando dei dipinti a olio meticolosamente dettagliati che riescono a far trasparire un senso di nostalgia negli spettatori, anche se questi ultimi potrebbero non aver mai vissuto personalmente le scene che stanno osservando. La risposta emotiva e riflessiva da parte di chi guarda è un’altra componente fondamentale nel lavoro di Barlett. È sicuramente anche grazie all’importanza che dà al pubblico che l’autore è riuscito a costruirsi una carriera ricca di mostre personali, nazionali e internazionali. La creatività, l’incanto e l’energia che i suoi ritratti psicologici sprigionano gli permettono di distinguersi e creano una formidabile lettura dei soggetti, da cui emerge una forza emotiva discreta e trattenuta ma allo stesso tempo coinvolgente, vera e unica nel suo genere.

Le opere di Bo Barlett che osserviamo appaiono quindi come un’estensione della realtà in cui il tempo sembra rallentare. Le scenografie risultano sospese nel tempo e sono spesso affiancate da campiture piatte, oltre che dal concetto di solitudine che pervade i vari individui rappresentati dall’artista. Sono i protagonisti indiscussi del suo lavoro, nei quali tutti noi ci immedesimiamo trasportando le nostre esperienze personali nei dipinti, che si riempiono così di una singolare malinconia, lieta e drammatica allo stesso tempo.

Bibliografia:

Heartland: Paintings by Bo Barlett, 1978-2002, Marquand Books.

Ellen Gallagher nasce a Providence (Rhode Island) il 16 dicembre 1965 da madre irlandese e padre capoverdiano, e attualmente vive tra Rotterdam e New York. L’artista concentra la sua carriera sulla messa in discussione degli stereotipi razziali e i principi d’ordinamento imposti dalla società, partendo però da opere apparentemente semplici.

Considerata una pittrice astratta, Gallagher crea opere minimaliste, animate da particolari narrazioni tematiche.

Il suo percorso artistico inizia ufficialmente nel 1995 e parte da riviste popolari, per poi diramarsi attraverso la ripetizione, la revisione e la riproposizione di diversi elementi che creano una sorta di racconto all’interno di ogni suo dipinto.

Le peculiari manipolazioni attuate dalla Gallagher creano infatti una mappa visiva con chiari riferimenti alla cultura moderna, raccontata dall’artista attraverso la sua personale iconografia.

L’immaginario a cui dà vita l’artista è strettamente legato alle sue origini afroamericane, elemento che caratterizza tutta la sua carriera e tramite cui cerca di “sdoganare” luoghi comuni, pregiudizi e cliché.

Anche i materiali da lei scelti sono particolari: spesso crea infatti dei collage a più strati formati da fogli di quaderni utilizzati dai bambini africani per imparare la calligrafia, che lei stessa posiziona in maniera metodica e precisa. È proprio questa stratificazione sulla tela che crea lo sfondo particolare da cui parte per creare i suoi delicati dipinti.

Nell’immaginazione di Gallagher, inoltre, i segni sono fondamentali perché permettono la nascita del linguaggio visivo, punto forte dei suoi progetti, in cui i pattern, i motivi e il processo d’estrazione si mischiano alla peculiarità della carta e agli importanti temi che l’artista sceglie per sfondare la tela.

Anche la fusione di diverse modalità narrative come poesia, film e soprattutto musica è necessaria per ricalibrare le tensioni tra realtà e fantasia.

Nel complesso i lavori di Ellen Gallagher possono sembrare pitture semplici, quasi elementari e cariche di valenza, ma servono in realtà come base per la sua “grammatica nuova” dalla quale parte per creare le sue tele minuziosamente ricoperte, come un bambino che si esercita nella scrittura.

Molte delle sue opere sembrano formare un muro, un particolare orizzonte da sfondare, ma da breve distanza l’insieme cambia e l’orizzonte si trasforma in una griglia rotta e disomogenea, della quale fanno parte tratti facciali volontariamente esagerati come labbra gonfie, occhi rotondi o visi che rimandano alla cultura afroamericana.

I riferimenti, sempre chiarissimi, in questo caso assumono una valenza ancora più significativa: l’artista “denuncia” l’immaginario legato al minstrel show, forma di intrattenimento nata negli Stati Uniti intorno al 1830 basata su sketch comici, musica, danza e varietà dove l’accento cadeva sull’aspetto dei performer, il cui trucco era una palese parodia africana. Tutto lo show, infatti, ruotava attorno allo stereotipo dei neri dipinti come superstiziosi e ignoranti.

Prima di farsi portavoce di critiche e denuncia come in questo caso, i dipinti di Ellen Gallagher appaiono quindi come meramente decorativi e composti da elementi particolari, anti-narrativi, che vanno apprezzati in primis per il loro ritmo interno. È uno sguardo più attento e ravvicinato che successivamente può portare l’osservatore a notare quelli che sono dettagli come la stratificazione dei materiali o alcuni elementi disorientanti che diventano essenziali e invitano alla contemplazione, spingendo il nostro occhio a una ricerca più profonda che, tenendo anche conto delle tematiche affrontate, permetterà di capire fino in fondo la sua particolare e interessantissima poetica.

Sono molti i registi che negli ultimi anni si sono guadagnati un posto nella classifica dei maestri del cinema, ma non tutti sono stati in grado di creare un mondo parallelo fatto di personaggi che fanno ormai parte dell’immaginario di tutti noi. Tim Burton, con la sua impronta personale e facilmente riconoscibile è sicuramente uno di quelli che ci è riuscito.

Nato il 25 agosto 1958 a Burbank, in California, il solitario Tim Burton cresce guardando film horror, giocando nel cimitero locale e scarabocchiando qualsiasi cosa gli passi per la testa. Molto prima di intraprendere la carriera da regista Burton inizia a esprimere la sua arte attraverso la fotografia, la pittura e soprattutto il disegno, parte integrante del suo processo creativo. La sua enorme produzione di schizzi e acquerelli ci consente di dare un’occhiata nella mente di un genio la cui arte è costantemente in movimento, guidata dalla curiosità per il mondo che lo circonda.

Grazie alla sua vena creativa, a 18 anni vince una borsa di studio messa in palio dalla Disney che gli permette di affinare la sua tecnica presso il California Institute of the Arts di Valencia (California) e, nel 1979, di diventare animatore ufficiale Disney. Burton non è però soddisfatto dei suoi lavori, perché molto lontani dalla vera natura del suo lato artistico: la casa di produzione non può però farselo scappare e gli lascia quindi la libertà di lavorare ai suoi progetti personali. È cosi che nascono i suoi primi due cortometraggi, che gli permettono di farsi conoscere e apprezzare anche dalla critica: Vincent (1982) e Frankenweenie (1984).

Già nei suoi esordi cinematografici possiamo cogliere l’essenza di tutta la sua poetica, dall’amore per il neoespressionismo tedesco e lo stile barocco fino alla passione per creature mostruose e inquietanti. Le opere di Burton sono infatti caratterizzate da un forte parallelismo tra la realtà delle emozioni narrate e un velo tenebroso e fantasy, elementi incarnati da personaggi strani, spesso considerati diversi o emarginati.

Il reietto incompreso è il tema più importante che troviamo nei film di Tim Burton, rappresentato da personaggi iconici nel quale è chiaro il suo tratto distintivo, come la Sposa Cadavere, Edward Mani di Forbice e Jack Skeletron per citarne alcuni: tutti personaggi che, attraverso il racconto, arrivano a una sorta di riscatto, trasformando così le proprie diversità in tratti unici e speciali. Possiamo definire Tim Burton un creatore di mondi; mondi dalle caratteristiche romantiche, gotiche e fumettistiche all’interno dei quali prendono vita i suoi personaggi meravigliosi, mostruosi e grotteschi da lui stesso disegnati nei suoi quaderni, sui blocknotes degli hotel o sui tovaglioli dei ristoranti. Perché, quando sente l’impulso, Burton non può far altro che disegnare e dare sfogo alla sua immaginazione irrequieta e spontanea.

Tim Burton ritrae la realtà non come appare bensì come la percepisce, attraverso una sorta di distorsione della prospettiva e della figura umana. Favole e poesie sono spesso la fonte d’ispirazione maggiore dell’artista e lo accompagnano anche nel suo tempo libero. Scrivere ballate e liriche è infatti uno dei suoi passatempi maggiori, assieme all’illustrazione. In alcun casi, unendo le due cose il risultato è stato sensazionale: è proprio da questo mix, infatti, che Burton ha dato vita alla preziosa serie di poesie illustrate Morte malinconica del Bambino Ostrica e altre storie e The Napkin Art of Tim Burton. Negli anni Duemila è stato inoltre pubblicato The Art of Tim Burton, un volume di 430 pagine che raccoglie più di quarant’anni del suo lavoro artistico, sia professionale che privato. Buona parte dei lavori di Burton è infatti molto personale, nata come sfogo intimo di una mente geniale. Anche se inizialmente non dipinge o disegna con l’intento di mostrare ad altri i suoi lavori, nel 2008 il MoMA offre a Tim Burton un’occasione che non può assolutamente rifiutare: una grande mostra dedicata alla sua figura, divenuta successivamente itinerante, che lo porta ancora oggi in giro per il mondo.

Dalla passione per il Rinascimento italiano fino alla pittura underground della periferia americana, l’arte satirica di Nicole Eisenman tocca temi politici, sociali e storici ancora oggi molto attuali trasportandoci in un mondo acceso e pungente sempre pronto a comunicare qualcosa, una rappresentazione del reale quasi bizzarra, ma sempre carica di emotività e verità. Per capire meglio il suo messaggio però bisogna analizzare la sua biografia. Nicole Eisenman nasce nel 1965 a Verdun, in Francia, ma nel giro di pochi anni la famiglia si trasferisce a Scarsdale, New York dove l’artista cresce e vive fino al suo spostamento definitivo a New York City nel 1987.

Fin dai primi anni della sua carriera artistica Eisenman si interroga sulla questione del realismo e sulla rappresentazione della verità; è infatti tramite i suoi dipinti a olio figurativi che cerca di catturare la stranezza umana, giocando con temi importanti, spesso politici e affrontati con satira.

Nicole Eisenman è un’artista che sfida le convenzioni e incoraggia lo spettatore a interpretare a modo proprio le immagini, cercando i significati più nascosti di scene che pongono chi guarda in una posizione quasi voyeuristica proprio perché cariche di soggettività.

Ogni suo lavoro tocca temi tragicomici in maniera spiritosa rasentando quasi l’astrazione, e il protagonista è l’essere umano con tutte le sue sfaccettature.

La più importante capacità di Nicole Eisenman è quella di riuscire a attingere dalla storia dell’arte di ogni epoca per ricavarne qualcosa.

Dalla sua arte trapela infatti il grande interesse per il Rinascimento italiano e il Barocco, ma utilizza anche i grandi maestri delle avanguardie novecentesche come fonti d’ispirazione.

I corpi accesi e sgargianti da lei dipinti in maniera quasi giocosa riprendono inoltre tecniche vicine al mondo cartoon e all’arte underground, accompagnati quasi sempre da titoli provocatori.

La prerogativa di Eisenman è in effetti la provocazione, messa in atto affrontando sia temi che la toccano personalmente come la fluidità e la sessualità sia temi legati alla storia collettiva, ad esempio le lotte per i diritti civili negli anni ’90 o la guerra in Iraq, argomento purtroppo tornato fortemente attuale.

La collettività è un altro elemento molto importante nella poetica di Eisenman, per l’artista tutto quello che è avvenuto fino ad ora ci ha fatto diventare ciò che siamo, ognuno in maniera individuale con le proprie emozioni e sensazioni, ma sempre e comunque all’interno di una collettività, per questo la folla è sempre la protagonista dei suoi lavori all’interno della quale il singolo non è un soggetto anonimo come succedeva spesso nell’arte di Otto e Novecento, ma si differenzia, è quello che possiamo vedere in COPING (2008), dove i soggetti reagiscono all’inondazione ognuno a modo proprio ma con l’intento comune di sopravvivere e non farsi travolgere dalla potenza della natura.

L’idea di insieme che emerge dalle sue pitture a olio è inoltre strettamente legata al concetto di conflitto: insieme sì, ma per lottare.

E’ così che l’artista rivendica il diritto di essere se stessi, di dire la propria e essere liberi, e ci riesce perfettamente unendo mondi apparentemente inconciliabili come il fumetto e l’arte rinascimentale, fusione paradossale che le permette però di crearsi uno stile tutto suo capace di mettere in evidenza le singole figure con contorni netti e colori dai tratti caricaturali riuscendo però a disporli in un insieme di soggetti.

Per questo insieme di motivi Nicole Eisenman è riuscita a farsi strada nell’arte, coinvolgendo lo spettatore e invitandolo a cogliere il suo bisogno costante di esprimere dissenso e far sentire la propria voce.

La sua è sicuramente un’arte tagliente che affronta argomenti molto vicini alla politica, figurativamente potente e concentrata sull’analisi del presente sperando di poter in qualche modo essere d’ispirazione per il futuro e ponendosi così come una delle più raffinate artiste contemporanee.

Pensando a Joseph Cornell non è facile inserirlo in una categoria d’artista precisa.

Non sapeva dipingere o scolpire e non aveva ricevuto una vera e propria educazione artistica, eppure al giorno d’oggi risulta essere uno dei personaggi più interessanti dell’arte americana del Ventesimo secolo.

Nato a Nyack nello stato di New York, Joseph è il primo di quattro figli.

Molto legato alla famiglia dedica la sua intera vita alla cura del fratello minore Robert affetto da paralisi cerebrale.

E’ proprio per la forte dedizione verso la famiglia che non lascerà mai il paese, ma Joseph viaggia con la mente portando con sé l’osservatore in un mondo alternativo fatto di vecchie foto, illustrazioni e oggetti di ogni genere da lui stesso recuperati per le strade della città, nei mercatini newyorkesi o in negozi di antiquariato, oggetti abbandonati, dimenticati o di poco valore che nelle sue “SHADOW BOXES” assumono una valenza tutta nuova.

Il suo compito è fin dagli esordi quello di creare legami tra un’infinità di oggetti interessanti e non, raccolti in luoghi diversi e provenienti da realtà opposte che rivivono grazie al mistero che li tiene uniti e che a tratti percepiamo.

La sua arte nasce di notte, in silenzio nella sua cantina buia, e si sviluppa come un’assemblage ispirato al ready made Duchampiano, una fantastica unione di svariati elementi che, nonostante la loro staticità, riescono a far volare con la fantasia e a stupire chi guarda. Il suo pubblico si ritrova a interrogarsi sul perché sia stato creato il mix eterogeneo che ha davanti e che sfocia in un mondo tutto nuovo, personale, poetico e surreale fatto di significati nascosti che permettono a ognuno una propria interpretazione.

Sono proprio questi tesori affascinanti riuniti da Cornell grazie al suo vagabondare per New York a rivelare le sue passioni più grandi per l’astronomia, il cinema e la letteratura, protagoniste silenziose di ogni suo lavoro.

Negli anni ’60 comincia ad approcciarsi alla tecnica del collage ma non abbandonerà mai il suo essere ossessionato dall’oggettistica che a tratti lo rende quasi un accumulatore seriale.

Di grande importanza per Joseph Cornell è stato l’incontro con Julian Levy nel 1931.

Levy all’epoca è un giovane mercante d’arte proprietario di una galleria che rimane affascinato dalla poeticità dietro ai suoi lavori al punto di offrirgli la possibilità di esporli alla prima mostra surrealista tenutasi a New York nel 1932.

Questo fortunato rapporto di lavoro sfociato poi in amicizia permette a Cornell di guadagnarsi la tanto attesa fama assieme alle sue scatole nate casualmente nel seminterrato, ed è sempre grazie a Levy che comincia a conoscere personaggi noti e si guadagna la fiducia di altri nomi importanti del panorama artistico di quell’epoca, primi fra tutti Marcel Duchamp e Robert Motherwell.

Anche il caso ha un ruolo fondamentale nella poetica di Cornell e lo aiuta nel tentativo di sfondare e avere successo. È proprio per questa peculiarità nei suoi lavori che la critica lo annovera sotto l’etichetta surrealista.

I suoi universi fatti di cose inutili e da reperti del vivere quotidiano aprono così la strada alle generazioni successive, influenzando i giovani artisti che desideravano approcciarsi all’arte caotica e casuale tipica dei surrealisti.

Tuttavia, nonostante Cornell trovi grande appoggio dalla categoria, fin da subito si mostra restio a farsi considerare parte di questo gruppo e la causa principale è la sua riservatezza a tratti limitante che probabilmente impedì alla sua arte di ricevere l’attenzione necessaria soprattutto fuori dagli Stati Uniti.

Durante una delle ultime conversazioni telefoniche con la sorella è proprio lui ad autodefinirsi chiuso affermando che avrebbe voluto non essere così riservato.

Ecco allora che il surrealista alla quale l’etichetta non piaceva affatto si rende conto che il suo stile di vita cupo e solitario gli ha messo i bastoni tra le ruote impedendogli di guadagnare forse il successo mondiale tanto desiderato almeno fino alla sua morte. Negli ultimi dieci anni della sua vita infatti, nonostante il netto calo di produzione artistica, la sua reputazione che fino a quel momento non aveva mai superato di molto la cinta urbana del paese comincia a crescere sempre di più, ed è con il ventunesimo secolo che si realizzerà anche se postumamente il suo desiderio di “non essere così riservato”.